Содержание
30 знаменитых картин ГМИИ им. Пушкина: шедевры, которые стоит увидеть
Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина – настоящая сокровищница, хранящая множество ценностей. Галерея искусства стран Европы и Америки XIX–XX вв. – один из его корпусов. С 2006 года в ее стенах демонстрируются шедевры авангардных течений, романтизма, постимпрессионизма, романтизма, импрессионизма и других направлений.
В залах представлены произведения из собраний знаменитых столичных коллекционеров и ценителей живописи И. Морозова, И. Остроухова, С. Щукина, П. Харитоненко, С. Третьякова и других. Гордость галереи – полотна Э. Дега, К. Моне, П. Пикассо, П. Сезанна, А. Матисса, В. Ван Гога, П.О. Ренуара и других. В нашей подборке – 30 бессмертных творений мастеров.
1. «Голубые танцовщицы»
Автор: Эдгар Дега.
Год создания: 1898.
Э. Дега показывал в своем творчестве сюжеты из рядовой жизни. Одной из его любимых тем стал балет.
«Голубые танцовщицы» – самая известная картина художника, рассказывающая об этом виде искусства. Она выполнена пастелью, что позволило добиться единства цвета и линий.
На первый взгляд, полотно демонстрирует зрителю один из моментов репетиции. При детальном рассмотрении появляется ощущение движения и танца. Существует мнение, что художник изобразил одну балерину, которая кружится в зале, и мастер запечатлел ее под разным углом, применив приемы кадрирования.
2. «Девочка на шаре»
Автор: Пабло Пикассо.
Год создания: 1905.
Знаменитая «Девочка на шаре» была написана на стыке «розового» и «голубого» творческих периодов Пикассо. В это время художник увлекся цирковой тематикой, поэтому представленный образ не уникален. Пабло никогда не показывал артистов на рабочем месте. На его полотнах они оказывались в пространстве, напоминающем пустыню.
Картину от других подобных отличают яркие противопоставления, противоречия и контрасты.
Взор зрителя падает одновременно на гибкий стан стоящей на шаре девочки и мускулистую фигуру атлета, который сидит на кубе, веселых персонажей и унылую панораму барханов. Внимания заслуживает композиционное решение: удерживая равновесие, эквилибристка протягивает руки вверх, ее фигура связывается с небосклоном. Этому также способствует цветовая гамма: трико героини почти совпадает по тону с оттенком неба.
3. «Белые кувшинки»
Автор: Клод Моне.
Год создания: 1899.
Около своего дома в Живерни Моне обустроил пруды, а над ними установил мостики. Живописный вид, увлечение японским искусством и культурой вдохновили его на создание серии работ с мотивом кувшинок. В произведении также прослеживается тенденция превращения выполненной на мольберте картины в панно, что стало закономерностью для поздних работ мастера.
Полотно открывает перед нами вид на японский мостик и пруд, усыпанный цветами. Сад утопает в густой зелени, за которой угадывается голубое небо.
Ветви плакучих ив отгораживают этот райский уголок от мира, делают его уютным, тихим, волшебным. В данном произведении, как и во многих других, написанных на рубеже веков, на первый план выходит декоративность.
4. «Мадонна перед чашей с причастием»
Автор: Жан Огюст Доминик Энгр.
Год создания: 1841.
Энгр – один из самых ярких последователей классицизма в живописи, поклонник итальянского Ренессанса. Данную картину он написал по заказу Александра II. В ней прослеживается желание художника сохранить традиции эпохи Возрождения и его любовь к творчеству Рафаэля.
Главная героиня, Мадонна, расположена в центре и изображена ярко за счет свечения и струящихся линий, которые создают ощущение объема. С обеих сторон от нее – второстепенные персонажи. Они затемнены, их контуры нечеткие. Само полотно геометричное и симметричное. Примечательно, что произведение не соответствует своему названию: чаши с причастием на картине нет.
5.
Портрет актрисы Жанны Самари
Автор: Пьер-Огюст Ренуар.
Год создания: 1877.
О. Ренуара часто называют «живописцем счастья». Такое состояние радости, душевной ясности и спокойствия художник считал естественным и стремился им поделиться во всех работах. Жанна Самари была одной из любимых моделей мастера. Он 4 раза писал портрет актрисы, но хранящийся в ГМИИ эксперты признали лучшим.
Картина чем-то походит на фотографию. Возникает ощущение, что на ней зафиксирован миг встречи живописца и девушки. У Жанны сияют глаза, на лице видна сдержанная улыбка. Используемые нежные тона и розовый фон подчеркивают молодость, женственность и обаяние актрисы. У полотна есть особенность: если на зеленое платье Самари посмотреть под определенным углом, то оно станет синим.
6. «Жена короля»
Автор: Поль Гоген.
Год создания: 1896.
«Жена короля» является одним из лучших произведений П.
Гогена, написанных во времена так называемого «таитянского периода» в творчестве. Художник жил на острове, изображал местных женщин, благоухающую природу. Сюжеты он дополнял религиозными, мифологическими образами.
В центре данной картины – могучая туземка. Она лежит на траве около моря, а вокруг бушует зелень, разбросаны экзотические фрукты. Неподалеку пробегает зверь, беседуют старики, собирает плоды женщина. Полотно напоминает «Олимпию» Мане, но кажется более первобытным и диким из-за изобилия красок.
7. «Бульвар Капуцинок в Париже»
Автор: Клод Моне.
Год создания: 1873.
«Бульвар Капуцинок в Париже» – одно из самых знаменитых произведений Моне, которое считается шедевром импрессионизма. Примечательно, что современники не оценили полотно, называли «размазанным», «незавершенным» и всячески насмехались над художником, увлекшимся новым течением в живописи.
Картина демонстрирует вид на бульвар с балкона одного из домов.
Автор не стремится показать архитектурный облик улицы, он раскрывает ее панораму в целом. Люди, деревья, экипажи, здания – все смешалось в этом уголке французской столицы. Здесь самое главное – свет, который меняет цвета, форму предметов, создает ощущение весны, свежего воздуха.
8. «Красные виноградники в Арле»
Автор: Винсент Ван Гог.
Год создания: 1888.
Долгое время считалось, что «Красные виноградники в Арле» – это единственное произведение Ван Гога, проданное при его жизни. Впоследствии стало известно, что художнику удалось реализовать несколько работ. Также существуют данные о том, что запечатленный на картине яркий куст живописец увидел по время прогулки в компании П. Гогена.
Особенности стиля автора узнаются сразу. Солнце изображено не так, как у других импрессионистов. Оно выглядит как диск, его лучи концентрические. Линия горизонта высокая, что характерно для позднего Ван Гога.
9. «Пьеро и Арлекин»
Автор: Поль Сезанн.
Годы создания: 1888-1890.
«Пьеро и Арлекин» – одна из самых известных картин Сезанна. Она рассказывает об окончании масленичного карнавала и знакомит с комедийными персонажами. Почему художник выбрал нехарактерную для себя тему – загадка. Зато его новаторская трактовка этого сюжета оказала существенное влияние на последователей-живописцев.
В центре композиции – два героя с противоположными темпераментами и образами. Пьеро – мечтательный, бледный, хрупкий, меланхоличный. Арлекин – зажигательный, динамичный, с дьявольским блеском в глазах. Работа представляет собой размышление Сезанна о судьбе артистов, их умении менять маски, играть разные роли на сцене и в жизни.
10. «Сирень на солнце»
Автор: Клод Моне.
Годы создания: 1872-1873.
В начале 1870-х годов К. Моне увлекся пленэрной живописью. В этот же период совместно с К. Писсарро он посетил Лондон, где открыл для себя новые способы передачи на полотнах солнечного освещения, контраста тени и света.
В результате появилась «Сирень на солнце», ставшая творческой импровизацией и при этом самим воплощением импрессионизма.
Художник не использует серые мрачные цвета, а само изображение лишено точных деталей. Складывается ощущение, что мы видим произведение сквозь какую-то пелену. Но при этом картина утопает в лучах солнца, от нее исходит тепло. Именно свет объединяет все детали: розово-лиловую сирень, сочную зеленую листву и женщин, укрывшихся от жары.
11. «Просушка парусов»
Автор: Андре Дерен.
Год создания: 1905.
Картина создана А. Дереном в рамках сотрудничества с А. Матиссом. После парижского Осеннего салона 1905 года полотно признали прародителем течения «фовизм». В этот период художник был озабочен вопросом передачи цветов в условиях яркого солнца, так как оно уничтожало тень. В итоге мастер пришел к отрицанию теней и начал передавать их через отблески и контрастные пятна.
Этот прием виден в «Просушке парусов».
В центре сюжета – стоящие у берега лодки. Очевидно, что действие разворачивается где-то на юге. Светотеневая моделировка отсутствует, пространство построено с помощью крупных мазков интенсивных цветов. Кое-где просматривается холст, но он выглядит как лучи солнца.
12. «Белая ночь» или «Девушки на мосту»
Автор: Эдвард Мунк.
Годы создания: 1902-1903.
Картина написана в период увлечения Э. Мунка стилем модерн. Произведение создавалось недалеко от норвежской столицы, на берегу фьорда, где художник приобрел летний домик. «Белая ночь» – яркий пример фирменного стиля автора, который формировался под влиянием творчества Ван Гога.
В центре сюжета – три девушки. Они стоят на мосту и вглядываются в воду, в которой отражаются дома, облака, деревья. Особенность полотна – сочетание ярких цветов и динамичных линий, которые как бы «бегут» вдоль холста, навстречу зрителю. В отличие от знаменитого «Крика» оно передает положительные эмоции, здесь нет места страху и отчаянию.
13. «Красные рыбки»
Автор: Анри Матисс.
Год создания: 1912.
На первый взгляд, «Красные рыбки» А. Матисса – незамысловатое произведение. В центре сюжета – уголок оранжереи, где установлен аквариум. Его обитатели, растения и их листья, а также круглый столик составляют основу композиции. Но оригинальный стиль художника превратил этот простой мотив в удивительное и завораживающее полотно.
В данной картине автор выразил эмоции при помощи цвета. Обратная перспектива в изображении стола напоминает о приемах средневековой живописи. Не менее интересны используемые углы зрения. На ножку и аквариум Матисс смотрит сбоку. При этом на стол – сверху. Примечательно, что художнику удалось гармонично соединить противоречащие друг другу красный и зеленый цвета. В итоге полотно получилось позитивным и притягивающим, в нем не чувствуется агрессия или напряжение.
14. «Шампанское и розы»
Автор: Михаил Ларионов.
Годы создания: конец 1920-х.
Ларионов — ученик И. Левитана и В. Серова. Образование и талант помогли ему стать выдающимся художником своего времени, создателем авангардного течения «лучизм». В годы написания картины «Шампанское и розы» Михаил Федорович увлекся оформлением спектаклей, тем не менее натюрморт получился запоминающимся и отличающимся невероятно тонким колористическим решением.
С помощью розового и серого оттенков, их нюансов и сочетаний художник показывает нам украшенный цветами стол, на котором стоят два бокала и открытые бутылки с игристым напитком. Слегка угадывается узор на скатерти, виден рисунок на обоях. И этого достаточно, чтобы полотно запало в память как образец натюрморта с нотами наивного искусства.
15. «Муза, вдохновляющая поэта»
Автор: Анри Руссо.
Год создания: 1909.
В галерее хранится дубликат картины, написать который Руссо подтолкнуло сложное материальное положение.
Оригинал демонстрируется в Художественном музее Швейцарии. Художник считал себя академическим живописцем, тогда как современники называли его новатором и авангардистом.
«Муза, вдохновляющая поэта» подтверждает мнение коллег мастера. На полотне запечатлены друг Анри поэт Гийом Аполлинер и его жена Мари Лорансен, отдыхающие в Люксембургском саду. Но замысловатые деревья и диковинные плоды, окружающие пару, заставляют терять связь с реальностью. Картина имеет признаки наивной живописи – отсутствие светотени, выделенные контуры. Также ее можно отнести к парадным портретам. Присмотритесь: изображенные в полный рост герои держат в руках атрибуты, указывающие на их род деятельности.
16. «Старый еврей с мальчиком»
Автор: Пабло Пикассо.
Год создания: 1903.
Картина написана в годы так называемого «голубого периода» творчества Пикассо, когда его индивидуальность лишь начинала формироваться. При этом полотно раскрывает самую актуальную тему того времени – сосуществование индивидов, стремление быть вместе.
В центре произведения – нищие и беззащитные персонажи. Слепой изможденный старик и болезненный худой мальчик вжались друг в друга, образуя одно целое.
Незрячий дед олицетворяет собой истинную духовность. Благодаря своему опыту он становится защитой для ребенка, его путеводителем в мир. Мальчишка, наоборот, смотрится слепым: его глаза не двигаются, на лице нет эмоций. Серо-синие фигуры выделяются на аналогичном фоне благодаря контуру. Используемые цвета, отсутствие перспективы, минимальная светотеневая моделировка создают напряжение, настроение безысходности, тоски и невозможности изменить этот мир.
17. «А, ты ревнуешь?»
Автор: Поль Гоген.
Год создания: 1892.
Убежав на Таити от европейской цивилизации, Гоген стремился писать полотна, которые свободны от условностей и рамок, отличаются примитивными формами, варварским сочетанием цветов, первобытными сюжетами, но при этом пронизаны наивностью и чистотой. Надо сказать, что ему это удалось.
На острове художник создал свои лучшие произведения. «А, ты ревнуешь» – картина, знакомящая нас с двумя туземками, отдыхающими после купания. Они обнажены, расслаблены и ведут неспешный диалог о любви. Тела женщин написаны объемно, что создает контраст с плоским фоном – водой и песком.
18. «Полифем»
Автор: Морис Дени.
Год создания: 1907.
М. Дени принадлежал к группе художников «Наби». Единомышленники считали, что действительность не стоит изображать реалистично, они отвергали светотень, перспективу и добавляли в свои работы элементы декоративности. Эти особенности присущи и картине «Полифем».
В работе соединены реальность и сказка. На переднем плане изображены отдыхающие люди. За ними разместился великан-циклоп, играющий для нимфы Галатеи романтическую мелодию. Согласно мифологии, лишь она могла растопить сердце Полифема.
19. «Мастерская художника»
Автор: Анри Матисс.
Год создания: 1911.
В своем творчестве Матисс был верен течению «фовизм». Но в данном произведении он вспоминает об импрессионизме: пейзаж за окном прорисован детально и состоит из тонких отдельных мазков. Интересен также другой связанный с картиной факт: стены в реальной мастерской живописца имели белый цвет, тогда как на полотне они приобрели ярко-розовый оттенок.
Центральные детали композиции – ковер на полу и висящая на ширме ткань. Этот мотив мастер использует регулярно. Матисс происходил из семьи ткачей, увлекался мусульманской культурой, с интересом посещал выставки текстиля, а потому любил изображать материи с удивительными узорами и причудливыми орнаментами.
20. «Оперный проезд в Париже»
Автор: Камиль Писсарро.
Год создания: 1898.
Конец 1890-х годов считается пиком творчества К. Писсарро. В это время он проживал в парижском отеле «Дю Лувр». Из окон номера открывался вид на Оперный проезд, который привлекал художника не столько поэтичностью и архитектурными достопримечательностями, сколько метаморфозами панорамы из-за изменения освещения и погодных условий в течение дня.
В итоге за 2,5 месяца мастер создал две серии полотен, посвященных этому месту.
Но Писсарро и его картины ждала сложная судьба. Из-за войны живописец спешно покинул французскую столицу и не вывез работы. В его доме развернулся магазин, владельцы которого использовали произведения в качестве половиков. Сохранились считанные экземпляры, которые получили мировое признание. В их числе значится «Оперный проезд…», техника написания которого восхищает виртуозностью. Автор применил множество мелких мазков, которые создали эффект дуновения ветра и падения снега.
21. «Купание на Сене» или «Лягушатник»
Автор: Огюст Ренуар.
Год создания: 1869.
«Купание на Сене» входит в число первых пейзажей, написанных импрессионистами. Это самая ранняя работа О. Ренуара в собрании ГМИИ. Полотно переносит зрителя на остров Круасси, где любили отдыхать многие парижане. Они часто называли это место лягушатником.
В центре сюжета – купальщики, лодки и гуляющие горожане.
Картина выполнена маленькими, как бы вибрирующими мазками разных оттенков, которые выделяют предметы и сливаются в единую цветовую гамму. Круасси О. Ренуар посещал в обществе К. Моне. На берегу художники создавали этюды, делали пленэрные открытия, которые впоследствии повлияли на технику молодых живописцев.
22. «Завтрак на траве»
Автор: Клод Моне.
Годы создания: 1865-1866.
«Завтрак на траве» – сравнительно раннее произведение Моне, что становится очевидным из-за обилия в палитре черного цвета. Планируя труд над картиной, художник намеревался создать масштабное полотно шириной свыше 6 метров. При этом он выбрал тему, которую несколькими годами ранее использовал в своем творчестве Мане и сумел произвести фурор.
Работа шла сложно, и накануне выставки мастер разрезал холст. Спустя время он написал уменьшенный вариант. Моне, в отличие от Мане, изобразил всех героев одетыми, сделал акцент на пейзаже, солнечном свете и человеческих фигурах, не уделив особого внимания лицам.
Интересен вырезанный на дереве символ – сердце. По мнению экспертов, так художник признался в любви Камилле Донсье, роман с которой ему приходилось скрывать.
23. «В комнатах» или «Сцена в интерьере»
Автор: Поль Сезанн.
Годы создания: 1869-1871.
«В комнатах» – одно из первых произведений Сезанна. Картина показывает, что художник находится в поиске себя, но при этом увлечен искусством старых художников и следует принципам Г. Курбе.
На полотне запечатлены сестра и мама автора. Женщины кажутся неподвижными, как статуи. Цвета выбраны яркие и мрачные одновременно. Они создают напряженную обстановку, передают повышенную эмоциональность, которую, вероятно, в первые годы творчества Сезанну приходилось в себе усмирять.
24. «Нападение ягуара на лошадь»
Автор: Анри Руссо.
Год создания: 1910.
Руссо нравилась Мексика, он часто рассказывал о путешествии в эту страну своим знакомым.
Правда заключается в том, что художник там никогда не был. Эти фантазии повлияли на творчество мастера: он написал «Нападение ягуара…». Картина полна противоречий и неправдоподобных деталей. Ветви неестественно переплетены, краски невероятно яркие, цветы и листья имеют нереальные размеры, а странно сложенные ноги лошади чем-то походят на женские.
Работа над произведением шла в Зоологическом и Ботаническом садах. Автор использовал открытки, атласы, марки, беседовал с теми, кто бывал в тропических лесах. Тем не менее, полотно показывает главное – безграничный полет мыслей мастера, его неуемную фантазию.
25. Портрет Амбруаза Воллара
Автор: Пабло Пикассо.
Годы создания: 1909-1910.
Амбруаз Воллар – коллекционер картин, торговец живописью и антиквариатом. Он первым заметил и по достоинству оценил работы Пикассо и даже устроил выставку его произведений в своей галерее. Написанный портрет признан истинным шедевром аналитического кубизма.
Несмотря на то, что полотно имеет множество планов и не позволяет сфокусировать взгляд на лице, сходство с моделью передано отлично. Видно все: тяжелые веки, широкий нос, большой вес, высокий лоб и сжатый рот Воллара. Каждый элемент картины как бы излучает внутренний свет, создает иллюзию движения. Кажется, что это осколки зеркала, в котором сохранилось отражение Амбруаза.
26. «Ужин после маскарада»
Автор: Тома Кутюр.
Год создания: около 1855.
Т. Кутюр – талантливый ученик П. Делароша и А.-Ж. Гро. Он не стал слепо следовать традициям академизма и выбрал свой авторский стиль. Позднее художник дал немало уроков Э. Мане. Прототипами для «Ужина после маскарада» стали знакомые мастера. Считается, что в образе Пьеро автор изобразил себя. На это намекают длинные вьющиеся волосы, густые брови, усы и острый подбородок – все эти детали есть на многих автопортретах.
Эксперты с легкостью узнают место, где развернулось действие.
Перед зрителем – зал ресторана «Золотой дом» в Париже. Здесь часто бывал Кутюр. Кроме того, в годы создания картины балы-маскарады проводились регулярно. Получается, что запечатленная на картине сцена не является чем-то необычным, она показывает типовое времяпрепровождение людей, нравы и предпочтения того времени.
27. «Восстание»
Автор: Оноре Викторьен Домье.
Годы создания: 1848-1849.
О. Домье жил в сложные времена. Это побудило его запечатлеть исторические события в карикатурах, картинах, скульптурах. Работы мастера-демократа пронизаны личными творческими и политическими идеалами. Творец стал свидетелем двух французских революций, состоявшихся в 1830 и 1848 годах. Последней он посвятил полотно «Восстание».
Произведение показывает, каким был Париж в те годы. Город охвачен нервным напряжением, беспорядками. Яркое проявление эмоций достигнуто за счет резких контрастов светотени и динамики композиции в целом.
28.
«Персики и груши»
Автор: Поль Сезанн.
Годы создания: 1890-1894.
В последние десятилетия жизни П. Сезанн увлекся экспериментами по созданию кадрированных композиций и постановке предметов. В итоге ему удалось написать принципиально новые натюрморты, которые можно сравнить с пейзажами. Известно, что автор долго расставлял предметы, поворачивал их, приподнимал.
Расположение фруктов и посуды в пространстве также уникально за счет использования обратной перспективы. Стороны стола видны в разных плоскостях, а кувшин – одновременно в панорамном образе, в анфас и сверху. Техника классическая – отдельные мелкие разнонаправленные мазки.
29. «Булонский лес»
Автор: Анри Матисс.
Год создания: 1902.
«Булонский лес» входит в серию полотен, созданных в одноименном заповедном уголке, где любили гулять многие жители Парижа. Картина написана под влиянием П. Сезанна. Это ощущается и в ее динамичности, и в выбранном мотиве (изгиб дороги).
Произведение относится к раннему периоду творчества А. Матисса, но в нем уже прослеживается авторский почерк, отхождение от традиций барбизонской школы. Несмотря на то, что в колорите преобладают темные цвета, художник добавил светлые краски. В нежных тонах изображены река, небо и солнце.
30. «Строители» или «Строители с алоэ»
Автор: Фернан Леже.
Годы создания: 1951.
«Строители» являются центральным произведением в серии работ, заказанных для украшения зданий. Данная тема была близка Леже. Он восхищался трудом маленьких людей, которые могли круглые сутки находиться под облаками, среди огромных металлических кранов и перекрытий. Живописца поражал этот контраст.
При написании картины автор максимально упростил художественные приемы, что сделало ее похожей на плакат. При этом выразительность не была потеряна благодаря динамичным вертикальным и горизонтальным линиям, композиционному построению. Работа показывает реалии советской эпохи, один из этапов индустриализации.
Галерея занимает три этажа, которые разделены на 26 залов. Одни из них посвящены отдельным художникам, другие – целым направлениям. Богатая коллекция заслуживает внимания и тронет сердце даже самого искушенного и требовательного ценителя искусства.
Знаменитые картины Государственного музея изобразительных искусств им. Пушкина
«Артаксеркс, Аман и Эсфирь» Рембрандт Харменс ван Рейн
Библейский сюжет, в котором Эсфирь, жена царя Артаксеркса, разоблачает предательство визиря Амана, на полотне Рембрандта превращается в полную драматизма историю о человеческих отношениях, добре и зле. Драматическое воздействие усиливает уникальная живописная манера, присущая позднему Рембрандту – неповторимый эффект мерцания света на полотне.
«Артаксеркс, Аман и Эсфирь» — самая «многострадальная» картина Рембрандта. В 1819 году она была повреждена при пожаре, и ее три раза переносили на новый холст, но не слишком удачно. К счастью, четвертая реставрация увенчалась успехом.
«Девочка на шаре» Пабло Пикассо
«Девочка на шаре» — одна из самых известных и значительных работ «розового периода» Пабло Пикассо. На картине всего две основные фигуры – балансирующая на шаре хрупкая девочка и сидящий на кубе могучий атлет. Это произведение воплощает принципиальные различия и одновременно неразрывную связь мужского и женского начал, движения и статики, гибкости и силы. В соотношении фигур наблюдается интересный оптический эффект. Если закрыть атлета, балансирующая девочка тут же зрительно утрачивает равновесие, и создается впечатление, что она падает с шара. Если закрыть девочку, атлет оказывается «прикован» к кубу, и кажется, что он никогда не сможет подняться.
«Голубые танцовщицы» Эдгар Дега
«Голубые танцовщицы» признаны одной из лучших работ Эдгара Дега на тему балета. Особенность работ этого художника – необычные ракурсы, которые создают впечатление, будто художник «подсматривает» за своими персонажами с самых неожиданных точек зрения.
«Голубые танцовщицы» — не просто воплощение грации и изящества прекрасных девушек, но и глубоко символичное, концептуальное произведение. По мнению исследователей, его главная особенность в том, что на полотне изображены не четыре девушки, а одна в различных фазах своего движения, иллюстрирующего бесконечный круговорот не только танца, но и самой жизни.
«Портрет Жанны Самари» Пьер-Огюст Ренуар
Портреты актрисы театра «Комеди Франсез» Жанны Самари Ренуар писал несколько раз. Картина, которая экспонируется в Пушкинском музее, считается подготовительным этюдом к парадному портрету актрисы, который можно увидеть в Эрмитаже. Но искусствоведы единогласно сходятся на том, что это лучший из всех ренуаровских портретов Жанны Самари. Изображение юной актрисы полно грации, непринужденности и одновременно задумчивости. Оригинал картины обладает необычным оптическим эффектом, который не способны передать репродукции: при взгляде под определенным углом зеленое платье Жанны становится синим.
«Красные виноградники в Арле» Винсент Ван Гог
Однажды вечером, проезжая по дороге близ Арле, Винсент Ван Гог стал свидетелем необыкновенного оптического явления: в лучах заходящего солнца ряды виноградников вспыхнули яркими оттенками красного, словно погружаясь в языки пламени. Так появилась картина, которую Ван Гог переосмыслил в глубоком философском, символическом и трагическом ключе. В желто-красном огне солнца, символизирующем течение жизни, работающие на винограднике люди выглядят черными головешками, они словно сгорают и превращаются в дым и прах в процессе ежедневного изнурительного труда. «Красные виноградники» — одна из двух работ, которые Ван Гогу удалось продать при жизни.
«Завтрак на траве» Клод Моне
Картина «Завтрак на траве» Клода Моне названа в честь скандального полотна Эдуарда Мане, на котором изображен пикник с участием одетых джентльменов и обнаженных дам.
Моне запланировал скандал иного рода – он поставил цель создать импрессионистскую картину, которая бы получила официальное признание в Салоне. Первоначально полотно имело размер 460 x 640 см, и чтобы дотянуться до его верхнего края при работе на пленэре, художнику приходилось опускать нижний в яму. Позже Моне написал вариант меньшего размера, который вышел более цельным.
Особенность картины в том, что Моне не скрывает условности изображенных персонажей. На картине изображены три его друга (один из них – дважды), а женские модели взяты с обложек модных журналов. Впервые в истории живописи персонажи переднего плана изображены спиной к зрителям. Настоящий «герой» этой картины, по замыслу художника – свет, пробивающийся сквозь листву деревьев.
«Пьеро и Арлекин» Поль Сезанн
Картина «Пьеро и Арлекин» занимает в творчестве Сезанна особое место. Исследователи творчества художника сходятся на том, что на картине изображен ярко выраженный конфликт, но расходятся во мнениях в вопросе его сущности.
Что означает противопоставление подтянутой, пружинистой фигуры высокомерного Арлекина, облаченного в пылающее красным трико, и рыхлого, апатичного Пьеро в гипсово-белых одеждах? Почему Пьеро исподтишка толкает Арлекина сзади кулаком? Являются ли герои картины свободными властелинами карнавала красок, в который погружаются люди искусства, или они – просто марионетки на веревочках? Каждый отвечает на эти вопросы по-своему.
«Нападение ягуара на лошадь» Анри Руссо
Анри Руссо, основатель стиля примитивизм, был мечтателем и романтиком. Он любил рассказывать о путешествиях по Мексике и охоте в джунглях, хотя ни разу в жизни не выезжал из Парижа. Моделью для его тропических лесов были растения Ботанического сада, а хищников он изучал по чучелам в Зоологическом музее. «Нападение ягуара на лошадь» погружает зрителя в мир живого и непосредственного детского восприятия, в котором цветы и травы оказываются больше животных, а ягуар скорее играет с лошадью, чем пытается причинить ей вред.
Картины Руссо удивительно трогательны, они напоминают нам о том, как мы воспринимали мир в детстве, до того, как примирились с его суетностью и жестокостью.
Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl+↵
Картины ГМИИ им. А.С. Пушкина в Москве: 6 шедевров, которые стоит увидеть
Галерея искусства Европы и Америки XIX-XX веков входит в состав ГМИИ им. Пушкина в Москве (находится в соседнем здании по адресу ул. 14).
Здесь находится одна из лучших коллекций импрессионизма и постимпрессионизма в мире. С ней могут поспорить разве что музей д’Орсе в Париже и музей Метрополитен в Нью-Йорке.
Вот сразу 7 картин, мимо которых невозможно пройти.
Часть текста выделена другим цветом: это означает, что вы можете наблюдать эти особенности картин только вживую.
1. Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877.
Пьер-Огюст Ренуар.
Портрет Жанны Самари. 1877. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина (Галерея европейского и американского искусства XIX и XX веков), Москва.
Этот портрет является эскизом к другому, парадному портрету Жанны Самари. Сейчас она хранится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.
Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1878. Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Однако большинство искусствоведов считают этот этюд одним из главных шедевров Ренуара.
Эта картина — квинтэссенция женской чувственности и обаяния.
У него есть маленький секрет. Если вы посмотрите прямо на платье актрисы, оно зеленого цвета. Если посмотреть на него со стороны, то платье становится синим.
Когда Ренуар показал портрет на выставке 1873 года, многие современники его не поняли: «У нее руки как рыбья чешуя!»
Но нашлись сторонники: «Этот портрет можно есть ложкой!»
Ренуар приукрасил внешность молодой женщины. В жизни Жанна была не такой хорошенькой.
Но она была смешна и имела очаровательную улыбку.
Фото Жанны Самари
Однажды в нее влюбился молодой человек из богатой семьи. Аристократы не хотели брать в семью представительницу легкомысленной профессии. Никто из них не пришел на свадьбу.
Жанна умерла в 32 года от брюшного тифа. Оставив мужу двух дочерей. И еще этот портрет. Она висела в его квартире до самой смерти.
2. Винсент Ван Гог. Красные виноградники в Арле. 1888.
Винсент Ван Гог. Красные виноградники в Арле. 1888. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина (Галерея европейского и американского искусства XIX и XX веков), Москва.
Ван Гог создал эту картину в провинциальном городке Арле. Он приехал сюда из Парижа в поисках ярких красок.
Его поиски увенчались успехом. Здесь он создал самые яркие и известные картины: свои знаменитые «Подсолнухи» и «Ночное кафе». В том числе и «Красные виноградники».
На самом деле виноградники не красные. Зелень лишь временно приобретала красный оттенок под лучами заходящего солнца.
Ван Гог не мог пройти мимо такого оптического эффекта.
Ван Гог написал «Красные виноградники» в технике импасто. Краска наносится плотно крупными мазками.
Картина известна еще и тем, что была куплена за приличные деньги — 350 франков. До этого Ван Гог успел продать не более 20 своих работ за гораздо более скромные деньги.
Считается, что это было началом его признания. Ван Гог очень скоро стал бы баснословно богатым, если бы не тот роковой выстрел в 1889 году.
3. Поль Сезанн. Пьеро и Арлекин. 1888.
Поль Сезанн. Пьеро и Арлекин. 1888. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина (Галерея европейского и американского искусства XIX и XX веков), Москва.
Поль Сезанн был полным антиподом импрессиониста. Он стремился создать монументальное, существующее вне времени. В отличие от импрессионистов, стремившихся передать впечатление момента.
Клод Моне создавал свои картины за часы и даже минуты.
Сезанн работал над Пьеро и Арлекином 2 года! Ему позировали его сын и друг сына.
Никто другой не согласился бы на сотни изнурительных сеансов.
Обратите внимание, как тщательно прорисован костюм Пьеро. Белым он кажется только издалека. Рядом вы увидите, что складки одежды созданы с использованием зеленого и синего цветов.
Композиция картины тоже необычная. Пьеро тычет кулаком в спину Арлекина. Он услышал еще одну насмешку от высокомерного Арлекина. А чувствительный, но трусливый Пьеро не посмел показать кулака в ответ на лицо обидчика.
Художник не раз менял позу Арлекина. В результате его нога оказалась у самого края полотна. Сезанн даже согнул так, что нога подошла.
4. Поль Гоген. Ты ревнуешь? 1892.
Поль Гоген. Ты ревнуешь? 1892. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина (Галерея европейского и американского искусства XIX и XX веков), Москва.
Гоген не особенно любил пуританскую Европу. Наполовину перуанец по материнской линии, он прожил до семи лет среди экзотической природы Южной Америки.
Поэтому неудивительно, что однажды он сбежал из Парижа на Таити.
Картина «Ах, ты ревнуешь?» — одна из его лучших таитянских работ.
Она яркая, экзотичная. Именно по таким произведениям узнаваем Гоген.
На картине изображен момент жизни таитянской девушки, подсмотренный художником. Они ведут неторопливую беседу, принимая расслабленные позы.
Один удивляется, почему другой ревнует. Мы понимаем тему разговора по фразе, написанной Гогеном ниже «Ах, ты ревнуешь?»
Для нас эта сцена будет непонятна, если не знать обычаев таитян.
Таитяне были сторонниками свободной любви. Даже замужняя девушка могла провести ночь с другим мужчиной. Ревность считалась неуместной.
Поэтому одна девушка удивляется, почему ее подруга ревнует. Да, она провела ночь с любовником. Почему нет? Такая мораль.
В отличие от Ван Гога, Гоген не любил пастозную технику. Наложен тонкий слой краски. Поэтому сквозь краску легко увидеть переплетение холста.
5. Эдгар Дега «Голубые танцовщицы». 1897.
Эдгар Дега. Голубые танцоры. 1897. Галерея европейского и американского искусства XIX-XX веков (ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва).
Считается, что Эдгар Дега рисовал танцовщиц. Но как он сам утверждал, ему нравились не танцовщицы, а движение и красивые платья. Именно это он искал в балеринах.
Вам может показаться, что на картине танцуют четыре танцовщицы. На самом деле они не танцуют. И их вовсе не четыре!
Скорее всего, Дега изобразил одну девушку с разных сторон. После его смерти в его архивах были обнаружены фотографии. На нем запечатлена одна и та же девушка в разные моменты движения.
Мы видим, как она наклонилась, чтобы поправить пуанты. В следующее мгновение она поправляет бретельки своего платья. А потом она держится за декорации, чтобы осмотреть свое платье.
Дега необычным способом добился синего сияющего цвета. Картина написана пастелью. Это своего рода восковые мелки.
Дега работал над пастелью с помощью пара.
Под воздействием пара он размягчился, и художник распределил его по холсту кистью. Это сделало его более сияющим.
6. Клод Моне. Белые водяные лилии. 1899.
Клод Моне. Белые водяные лилии. 1899. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина (Галерея европейского и американского искусства XIX и XX веков), Москва.
Ближе к 50 годам Клод Моне наконец получил заслуженное признание. Его картины стали покупать за приличные деньги.
Не долго думая, он купил дом в живописной провинции Живерни. Здесь он разбил великолепный сад с прудом.
Изначально на купленном участке не было пруда. Мане создал ее искусственно, изменив русло близлежащей реки.
Моне прожил в Живерни 43 года. Он создал сотни картин в своем саду.
12 работ с японским мостом. Один из них хранится в Пушкинском музее.
Кстати, кувшинки в пруду появились незадолго до создания этой картины. До этого мост протянулся над чистой водной гладью, как на картине «Мост в саду Моне».
Клод Моне. Мост в саду Моне. 1895-1896 гг. Частная коллекция.
***
Картины, рассматриваемые в данной статье, когда-то принадлежали коллекционерам Сергею Щукину и Ивану Морозову.
После революции 1917 года обе коллекции были национализированы.
Дом Щукина превратился в музей. Бывшему хозяину разрешили жить в доме привратника. Перед отъездом из России в 1919 году он проводил экскурсии по своему бывшему особняку.
Иван Морозов тем временем был назначен помощником хранителя собственной коллекции. Он также уехал из России в 1919 лет и вскоре умер во Франции…
***
Если вам близок мой стиль подачи информации и вы заинтересованы в изучении искусства, я могу бесплатно выслать вам серию уроков на вашу электронную почту. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Об авторе
На главную
Фото: Wikimedia Commons
Нравится:
Нравится Загрузка…
Музей Пушкина — Et sy.
