Рисование элементов национального орнамента китай 4 класс: Орнамент в искусстве Азии

«Мир орнамента. Украшаем варежки.» 2 класс | Презентация к уроку по изобразительному искусству (ИЗО, 2 класс) на тему:

Автор Литвиненко Галина Анатольевна

учитель изобразительного искусства

МБОУ СОШ № 47, г. Чебоксары,

 Чувашская республика

Тема: Мир орнамента. Украшаем варежки (2 класс).

Цель: 

Познакомить детей с видами орнамента и его  практическим применением на примере украшения варежки.

Задачи:

Образовательные:

1. Познакомить учащихся с основными видами орнамента, его символами и принципами композиционного построения.
2. Дать представление о видах орнамента, его композиции, построении, символике.

Воспитательные: 

1. Формировать у детей представление о том, что все народы на нашей планете являются носителями своих традиций, своего искусства – самобытного и неповторимого.
2. Способствовать формированию национального самосознания, уважения к историческому, культурному наследию наших предков.

Развивающие:

1. Развивать творческое воображение детей методом глубокого погружения в материал
2. Развивать эмоционально – нравственное отношение к произведениям декоративно – прикладного искусства. 

Поставленные задачи способствуют:

1. творческому развитию художественной грамотности в сфере декоративно-прикладного искусства;
2. сознательно применять приобретенные знания в процессе творческой работы;
3. развитию художественного вкуса, ощущению меры, стилистического единства;
4. творческой инициативы;
5. выявлению субъективных композиционных и цветовых приоритетов как метода развития индивидуальности.

Оборудование для учителя: 

1. Компьютер
2. Проектор
3. Презентация
4. Таблица «Построение орнамента в полосе»

Оборудование для учеников:

1. Шаблон варежки
2. Альбом
3. Фломастер (маркер) черный
4. Восковые (масляные, цветные) карандаши
5. Простой карандаш
6. Ластик

План урока:

I. Вводная часть:

1. Организационный момент.

2. Беседа о народном орнаменте:

а) История возникновения орнамента.

б) Виды орнамента.

II. Объяснение нового материала:

1. Беседа о способах построения орнаментальной полосы.

а) Простейшие схемы построения линейного орнамента.

III. Практическая работа

IV. Анализ детских работ

V. Подведение итогов

Ход урока.

1. Вводная часть

1.1. Организационный момент

Эмоциональный настрой коллектива. Проверка степени готовности к уроку.

1.2. Сообщение цели урока.

Наш сегодняшний урок будет посвящен очень интересному и необычному миру орнамента. Вы узнаете много нового и научитесь использовать свои знания в украшении хорошо знакомых вам обычных варежек.

(Рассказ сопровождается показом слайдов Презентации)

 Слово “орнамент” в переводе с латинского (ornamentum) означает “украшение”. Орнаментом называют узор, состоящий из ритмически упорядоченных элементов. Для чего нам нужны узоры и орнаменты? Каково же назначение орнамента? (основное назначение — украшение)

Орнамент занимает важное место в изобразительной деятельности. Он используется для оформления практически всего, что создано человеком, будь то предметы быта или архитектурные сооружения.

Он поднимает настроение, украшая и облагораживая предметы повседневной жизни.

Украшая какой-либо предмет, орнамент не может существовать отдельно от самого предмета. Он является его неотъемлемой частью и подчеркивает особенности предмета. Произведением искусства является и сам украшенный орнаментом объект и орнамент его украшающий.

Современная мировая культура является обладательницей огромного наследия-коллекции замысловатых узоров разных народов и эпох.

 История развития орнамента.

Возникновение орнаментики относится к временам глубокой древности. Его истоки уходят в те времена, когда человек выделил себя из окружающего его мира, и начал изготавливать орудия труда и предметы быта. Самые ранние орнаментальные изображения были найдены при археологических раскопках на осколках керамики. И состоял такой орнамент из ряда простых вмятин, сделанных на глиняном кувшине примерно на равном расстоянии друг от друга. Естественно, эти вмятины не могли сделать сосуд более удобным в пользовании. Однако они делали его интереснее и необычнее по сравнению с другими сосудами.

Со временем узоры развивались и все более усложнялись, образовывая сложные композиционные схемы, в которых переплетались сказочные и реальные мотивы.

Каждая народность, иногда даже географическая область, имеет свой неповторимый орнамент, т.к. орнамент всегда был тесно связан с культурой, языком народа, а также его происхождением и историей.

Источником для создания оригинальных композиций стала для человека природа. Любуясь природой, человек заметил в ней множество необычных форм и интересных цветовых оттенков, например: плоды и листочки различных растений, узоры на крыльях бабочек и птиц.

В Древней Руси орнамент назывался — «узорочьем» от слова узор. Но только ли орнамент украшал? Нет. Слова «узор», «узорочье» происходят от слов «зоря», «гореть», «солнце» и идут от общеславянских понятий «свет», «блеск», «тепло». Узоры вышивок связывались с культом солнца и неба, они становились его «божественными изображениями», знаками-символами.  Вынужденный постоянно противоборствовать суровой природе, во многом зависимый от нее, человек искал себе могучих покровителей, образы этих защитников.

В орнаменте были заключены письмена, которые вышивальщицы специально подбирали для каждого владельца рубахи или полотенца, чтобы предметы хранила своего хозяина от всякой случайной беды, поэтому вышивка имела обереговую функцию и была носителем информации.

Народная одежда могла много рассказать интересного о своем владельце: откуда он родом, какого возраста, по какому случаю так одет.

Со временем орнамент теряет своё господствующее положение, функцию оберега и познавательное значение, сохраняя, однако, за собой важную украшающую роль.

Виды орнамента.

В зависимости от характера элементов различают следующие виды орнаментов: (учитель называет вид орнамента, а ученики по изображению на слайде  называют, из чего он составлен).  
Геометрический орнамент состоит из точек, линий (прямых, ломаных, зигзагообразных, сетчато-пересекающихся), и фигур (кругов, ромбов, многогранников, звезд, крестов, спиралей и др).

Растительный орнамент составляется из стилизованных листьев, цветов, плодов, веток.

 
Зооморфный орнамент включает стилизованные изображения реальных и/или фантастических животных (иногда подобный орнамент называют «звериным» стилем).

Антропоморфный орнамент в качестве мотивов использует мужские и женские стилизованные фигуры или отдельные части тела человека.

2.Объяснение нового материала

Орнамент— это выражение и воплощение ритма. Орнамент состоит из отдельных, обычно повторяющихся мотивов.

Мотив (растение, фигура, определенная комбинация линий) — это отдельный элемент, без которого нет орнамента.

     При составлении мотивов в композицию создается художественный образ орнамента.

      Посмотрите, как красивы варежки на слайдах. Как вы думаете, с помощью чего получилась такая красота?

     Мы с вами сегодня тоже  постараемся интересно украсить свои варежки. Но для этого нам нужно узнать несколько правил построения орнамента. ( Объяснение ведется по таблице «Построение орнамента в полосе»)

    Чтобы задать ритм в узоре, нужно использовать повторяемость элементов, участвующих в композиции. Узор из двух чередующихся мотивов является примером ритмического орнамента. Два равных элемента, расположенных один за другим, создают ощущение покоя (статики), в то же время разные по размеру детали орнамента придают композиции динамику. Таким же образом чередуются и интервалы.  Виды ритмов  бывают линейными, цветовыми и тоновыми.

 3. Практическая работа

1. Вводный инструктаж учителя:
2. Инструктаж по технике безопасности
3. Самостоятельная работа учащихся
4. Текущий инструктаж учителя

4. Выставка и анализ детских работ.

5.Подведение итогов:

Итак, мы с вами познакомились с историей развития орнамента, узнали, какие бывают виды орнамента.

 Какие основные виды орнаментов бывают?

 Каковы характерные особенности каждого вида орнамента?

техника росписи, поэтапное рисование элементов и орнаментов для начинающих

Истории о том, что очевидная неудача может обернуться неожиданной стороной и оказаться ключиком к успеху, время от времени повторяются. И примером тому могут стать знаменитые на весь мир гжельские узоры. В местах с неплодородной почвой, с которой никак не могли совладать старательные пахари, была найдена белая высококачественная глина. И ее стали использовать алхимики, а уже потом гончары. Гончарное искусство, родившееся в районе Гжели, насчитывает не менее 400 лет.

История возникновения гжельских узоров и орнаментов

Слово «Гжель» — это географическое название нескольких деревень в 60 км от Москвы, которые ассоциируются с легко узнаваемым белым фарфором с голубой росписью. Гжель связана и с возникновением в России самого фарфора, уникальную рецептуру которого Д. Виноградов создавал конкретно на белой гжельской глине. И не менее интересна история самих узоров и орнаментов гжели, таких легких и лаконичных, не похожих на иные элементы народных промыслов.

Долгое время гжельские мастера искали новые колористические решения, и привычный бело-синий формат появился сравнительно недавно – в середине позапрошлого века. А до того высокий спрос отличал майоликовую посуду с цветной яркой росписью. Бело-синие решения – мода, которая пришла еще с петровских времен, и это связано с привезенным из Голландии расписным фаянсом. Зарубежная идея легла в основу русского промысла. Надо сказать, что когда-то сами голландцы позаимствовали сине-белые узоры у китайцев.

Делфтский фаянс (Голландия)

Гжель называли «русским Стаффорширом», вот только отличало узоры гжели особое послание, которое передавалось и в технике, и в выборе элементов гжели, и в их сочетании. Синее небо, белые церквушки, золотые купола – это элементы гжельской росписи, ставшие отражением русской ментальности. И ставшие одним из самых узнаваемых брендов русской народной культуры.

Цветовая гамма гжельской росписи

Традиционно сложилось так, что рисунок выполняется только оттенками синего. На фоновом белом цвете фарфора мастер одним колером способен передать всю палитру мироздания. Но ведь и синий может быть разным: от блекло-голубого до выразительного глубокого синего, переходящего в оттенки ночи. Используется и темный кобальтовый цвет. И довершает лаконичный гжельский рисунок платиновый или золотой декор.

А до того популярной была лубочная гжель, когда посуду мастера расписывали синими, желтыми, коричневыми и фиолетовыми красками все по тому же белому фону. Но самыми красивыми изделиями промысла считаются надглазурные образцы: цветные краски умелец наносил прямо по глазури. После этого посуда или другие изделия должны быть пройти три, а то и четыре обжига.

Мотивы и элементы

Изображение сельской жизни в гжели

Тематика росписи – это отображение мировосприятия мастером, традиционное и культурное осмысление жизни, ее течения и основных событий. Художники могут обращаться к иконописным элементам, они запечатлевают сценки быта, наблюдения за естеством природы.

Тематика рисунка дифференцируется на 4 вида:

• сюжетный рисунок – предполагает отображение времен года, пейзажей;
• орнаментальный – это привычные сетки-гребенки, жемчужинки, а также усики, капельки, отводки и шашечки;
• растительные мотивы – ягоды, бутоны, трава, ветки и злаки;
• животные – обычно это птицы.

Природные мотивы и архитектуру сегодня часто можно обнаружить на чайных сервизах и другой посуде гжели. До сих пор на изделиях мастера изображают крестьянские строения, широкие городские улочки, церквушки. Популярен и цветочный орнамент: взять ту же гжельскую розу, перекочевавшую с фарфора на принт на одежде и т.д.

Мастер-класс по рисованию простых гжельских узоров

Сегодня элементы росписи гжель для детей и взрослых вновь востребованы в различных образовательных продуктах. Ребенок в подготовительном периоде учится рисовать по трафаретам, затем поэтапно прорисовывает простые элементы росписи, узнавая стиль и «набивая руку». Но то же может научиться делать и взрослый, даже далекий от изобразительного искусства человек.

Ситчик

Для работы понадобится длинноворсовая тонкая кисть. У этой кисти задействуется для прорисовки элементов только кончик.

Рисуем ситчик пошагово:

1. Возьмите тонкую кисть, наберите краски кончиком, используя один цвет.
2. Попробуйте по образцу нарисовать мелкие детали орнамента – например, капельки.
3. Для мелких деталей в гжели характерен чистый цвет, цветовые переходы фактически не используются.
4. Из мелких капелек одного цвета составьте простой цветок и т.д.

Удобно начинать учиться гжельской росписи по специальным прописям. Когда вы нарисуете несколько рядов базовых движений ситчик, навык станет автоматизированным.

Китайский мазок

Этот прием, пожалуй, самый интересный, но и наиболее сложный для исполнения.

Пошаговый алгоритм китайского мазка:

1. На тонкую кисть нужно набрать сразу два цвета. Можно использовать и один, но все равно при прорисовке нужно стягивать кисточку по ворсу.
2. Элемент выполняется неотрывно, насыщенность цвета по мере выполнения мазка будет угасать. Этим способом и создается тонкий переход цвета, который выглядит максимально естественно.
3. Далее мастер снова набирает краску, и опять следит за тем, как по мере выведения элемента краски тускнеют, становятся мягче.

В мазковой росписи получаются красивые, узнаваемые в технике гжель цветы. Потренироваться писать их можно и на бумаге с предварительной пролиновкой. Сначала отдельно рисуются лепестки, потом центральные элементы цветка, и наконец, цельный цветок.

Мазок с тенью

Некоторые источники уверяют, что это разновидность «китайки». У этого базового движения элементов гжели широкий тональный диапазон. Берутся самые глубокие и темные тона, но постепенно в дело «вмешаются» максимально светлые и легкие. На поверхность краску придется наносить круговым разворотом.

Пошагово это выглядит так:

1. Наберите краску на кисть – с краю кисточки ее должно быть больше, а в серединке – меньше. Кисти для этого берутся толстые No 8 или No 10, с тупыми «лопаточными» концами.
2. Аккуратно приложите кисть к бумаге, уверенным движением руки наносите линию, прямую или волнистую, согласно задуманному элементу.
3. Самый излюбленный и хороший для тренировки узор – гжельская простая роза. Для ее выполнения используются кисти No 6 и No 8. Роспись цветка начинается с середины, после этого наносятся два мазка слева, а потом два мазка справа. Во время обучения удобно сначала наносить мазок в одну сторону, потом в другую.

В данном видео наглядно показано, как правильно выполнять теневые мазки.

И еще один важный момент. Нередко элементы и базовые движения не получаются хорошо, потому что ученик неправильно держит кисть. Кисточку в руке нужно удерживать тремя пальцами: большим, указательным и средним. Направление движения кисти должен задавать средний палец.

Техника нанесения теневых мазков

Другое название приема – техника двойного мазка. Такие элементы будут выгодно смотреться не только в бело-голубом решении, но и в других оттенках. И даже выведение фигур в отличной от гжели росписи тоже нередко опирается на эту технику.

Для работы понадобится акриловая краска синяя и белая (для тренировки это лучший вариант), вода, палитра, лист плотной акварельной бумаги, беличьи и таклоновые кисти, непременно плоские. Срез кисти бывает лепестковым, скошенным или ровным, подходят все варианты.

Пошаговое рисование – теневые мазки:

1. На палитре по соседству капните белую и синюю краску. Стяните друг к другу их края, чтобы оттенки вошли один в другой. Кисточку приложите к стянутой краске так, чтобы глубокий синий оказался прямо у основания ворса, а чистый белый был у его края. Сделайте плоскостью кисточки два ласкающих движения по палитре – это оттушуют межоттеночный переход.
2. Уложите кисть на поверхность бумаги, проведите ее перпендикулярно волосу. Так простой мазок выведет цвета параллельно. Регулируйте кистевой нажим, чтобы на листе не было цветовых проплешин.
3. Если ровная линия получилась, можно начать ее менять. Кисть нужно положить так же плоско, но повести ее в сторону, делая небольшое вращение на 180 градусов. Когда уже подошел конец вращения, вес следует переместить к основанию ворса, и действие повторить, только с новой точкой опоры. Чередуя зоны с весом, можно научиться делать мягкую длинную волну.
4. После освоения этого узора обычно учатся делать угловатость волны – при рисовании восходящей волны, опустившись в нижнюю точку, вес на другую зону не переносится, он остается на краю ворса.
5. Рисование «капли» непростое – в районе ее головки кисть ставят полным весом, далее кисточка проворачивается вокруг и тянется в сторону. Давление кисти уменьшается, и линия плавно сужается. После освоения одиночных капель, нужно учиться рисовать их рядом, так отрабатываются боковые лепестки цветка.

При завершении изучения теневого мазка все отработанные приемы нужно совместить в одном цветке.

Гжельские мотивы можно увидеть не только на фарфоре: они встречаются в изделиях из бисера, в различных аппликациях на одежде. Гжельский куст – такой же узнаваемый мотив, как например, кельтский узор в вязании крючком. Знаменитая русская гжель – цветы и птицы, церкви и бытовые сценки, используются сегодня в легкой промышленности, в дизайне столового текстиля. Проводятся мастер-классы, задающие новый вектор развития старинного народного направления: оно находит воплощение в современном оформлении вещей быта и декоративных предметов, в различных принтах на одежде и аксессуарах.

Традиции не только бережно сохраняются, но и находят новые возможности выражения столетиями складывающегося декоративного творчества с неповторимым, ментально близким русскому человеку стилем.

Великий бронзовый век Китая | Азия для преподавателей

V&A · Оуэн Джонс и грамматика орнамента

Оуэн Джонс (1809–1874 гг.) был разносторонним архитектором и дизайнером, а также одним из самых влиятельных теоретиков дизайна 19 века. В поисках уникального современного стиля Джонс черпал вдохновение в исламском мире.

Джонс разработал ключевые принципы для недавно созданной Государственной школы дизайна, которая позже стала Королевским колледжем искусств. Смелые теории Джонса об использовании цвета, геометрии и абстракции легли в основу его основополагающей публикации 9.0066 Грамматика орнамента , справочник по дизайну, который все еще издается 150 лет спустя.

«Форма без цвета, как тело без души».

Оуэн Джонс, 19 век

Глиняное блюдо, украшенное портретом Оуэна Джонса работы Торквато Кастеллани, около 1883 года, Италия. Музей №. С.9-1995. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Раннее путешествие 1832 – 34

Оуэн Джонс вырос в мире, где господствовала строгая «белизна» неоклассической архитектуры. Однако он знал, что недавние открытия показали, что древнегреческие здания на самом деле изначально были окрашены. Перспектива изучения этих примеров архитектурной полихромии (архитектура, украшенная множеством цветов) была бы непреодолимой для молодого амбициозного архитектора, такого как Джонс. Он отправился в свой Гранд-тур — путешествие для достижения совершеннолетия (в основном) молодых мужчин из высшего общества — в возрасте 23 лет, посетив Италию, Грецию, Египет и Турцию, прежде чем прибыть в Гранаду в Испанию для учебы. дворца Альгамбра, которые должны были укрепить его репутацию.

(Слева направо) Гробницы близ Каира, акварели Оуэна Джонса, 1832–1833, Египет. Музейные номера. SD.530 и SD.533. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

(Слева направо) Архитектурные чертежи колонн храма Рамзеса Великого [Карнак] и храма Седингара [Донгола], Оуэн Джонс, около 1853 г. , Лондон. Музей №. SD.544:1. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Архитектурные чертежи колонн Луксорского храма и храма Амона, Оуэн Джонс, около 1853 г., Лондон. Музей №. SD.544:3. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Дворец Альгамбра

Джонс и французский архитектор Жюль Гури первыми изучили Альгамбру как шедевр исламского дизайна. Они потратили шесть месяцев на тщательное изучение захватывающего дух убранства дворца Альгамбра, создав сотни рисунков и гипсовых слепков. Гури, к сожалению, умер от холеры во время их пребывания, и Джонс вернулся в Лондон, полный решимости опубликовать результаты своих исследований.

Рисунок настенного декора из дворца Альгамбра, Оуэн Джонс, ок. 1883 г., Гранада, Испания. Музей №. 9156Ф. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Рисунок настенного декора из дворца Альгамбра, Оуэн Джонс, ок. 1883 г., Гранада, Испания. Музей №. 9156К. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Джонс не считал стандарт печати в то время достаточно сложным, чтобы отдать должное замысловатому и яркому убранству дворца Альгамбра, и поэтому потратил время на изучение тогдашней новой техники хромолитографии — метода получения многоцветных отпечатков. с помощью химикатов. Получившаяся книга, «Планы, фасады, разрезы и детали Альгамбры » (1842–1845 гг.) стала одной из самых влиятельных публикаций по исламской архитектуре всех времен.

(Слева направо) Детали дворца Альгамбра взяты с рисунков Жюля Гури и Оуэна Джонса, 1833–1837 гг., Из «Планов, фасадов, разрезов и деталей Альгамбры». © Музей Виктории и Альберта, Лондон

рисунки для плитки и мозаики

Публикация исследований Джонса об Альгамбре прочно утвердила архитектурную полихромию как предмет для дебатов и дискуссий. Вдохновленный плиткой Альгамбры и ее «бесконечными возможностями для изобретения дизайна», Джонс заинтересовался современными разработками в области мозаики и мозаичных тротуаров. Его проекты плиток привлекли внимание ключевых фигур, связанных с реформой дизайна викторианской эпохи, в том числе принца Альберта, и привели к его участию в Большой выставке 1851 года.0007

Эскизы плитки в исламском стиле, Оуэн Джонс, ок. 1840–1850, Великобритания. Музей №. 8115:5. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Большая выставка и Хрустальные дворцы

Джонс, наконец, представил свои теории цвета широкой публике, когда его попросили украсить интерьер здания Великой выставки 1851 года, огромного сооружения из железа и стекла. Большая выставка, первая в своем роде международная выставка, представляла собой великолепную демонстрацию промышленной продукции — от паровых двигателей до множества экзотических товаров из Британии, ее империи и других стран. Временный «Хрустальный дворец» был построен в Гайд-парке для размещения выставок, а королева Виктория и принц Альберт председательствовали на торжественной церемонии открытия. В простой, но радикальной схеме окраски интерьера Джонса использовались только основные цвета: синий, красный и желтый. Они были применены в тщательно заданных пропорциях, чтобы различать железные колонны, создавая глубину и перспективу внутри здания. Дизайн вызвал много критики и споров, но Джонс никогда не терял уверенности в своем видении. В конце концов здание открылось и получило большой резонанс. Шесть миллионов человек — в три раза больше населения Лондона того времени — посетили колоссальный дворец из железа и стекла.

Акварель «Интерьер Хрустального дворца» Уильяма Симпсона, около 1851 г., Великобритания. Музей №. 546-1897. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Когда год спустя здание было перенесено в Сиденхэм на юге Лондона, Джонс в своей новой роли директора по декорациям Хрустального дворца спроектировал египетский, греческий, римский дворы и дворы Альгамбры.

Двор Альгамбры в Хрустальном дворце на юге Лондона, спроектированный Оуэном Джонсом, фотография Филипа Генри Деламотта, 1854 год, Лондон. Музей №. 39315. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Государственная школа дизайна

Государственная школа дизайна, основанная в 1837 году, была первой школой дизайна в Великобритании. Его цель состояла в том, чтобы поднять стандарт британских производителей за счет улучшения дизайна — тот же дух реформ лежал в основе Большой выставки 1851 года, на которой были представлены товары, которые считались одними из лучших в мире. Оуэн Джонс помог выбрать предметы с Большой выставки для включения в учебные коллекции Школы дизайна. Затем он использовал эти «лучшие примеры» для разработки ключевых принципов школьной учебной программы, которая отстаивала понятия пропорции, гармонии, полезности и пригодности и поощряла единый подход к проектированию как зданий, так и объектов.

Кристофер Дрессер был самым известным учеником Оуэна Джонса и самым успешным выпускником Школы Дизайна. Будучи экспертом в области ботаники, он внес свой вклад в исследования растений для оригинального справочника по дизайну Джонса. Джонс твердо верил, что лучшие принципы дизайна были получены из форм, встречающихся в природе. Когда сам Дрессер стал лектором в Школе дизайна, он продвигал растительные конструкции как богатый источник вдохновения. На приведенных ниже диаграммах показано, как Дрессер сводил ботанические рисунки к их основным структурным элементам. Он исследовал эти базовые сочетания стеблей, листьев и цветов, чтобы открыть новые модели для дизайна. Эта научная деконструкция формы и структуры была похожа по духу на методическое исследование Оуэном Джонсом исламского декора в Альгамбре.

Ботанический рисунок лекции, Кристофер Дрессер, 1854-56, Англия. Музей №. 3969. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Диаграмма для иллюстрации лекций по дизайну Кристофера Дрессера, 1854–1856 гг., Великобритания. Музей №. 3981. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Грамматика орнамента, 1856 г.

В Британии 19-го века доминировали исторические возрождения, такие как неоклассицизм и готическое возрождение. Эти дизайнерские движения были пронизаны религиозными и социальными коннотациями. Вместо этого Оуэн Джонс стремился к современному стилю без культурного багажа. Чтобы определить общие принципы, лежащие в основе лучших образцов исторического орнамента, он сформулировал язык дизайна, подходящий для современного мира, который можно было бы в равной степени применять к обоям, текстилю, мебели, металлоконструкциям и интерьерам.

Оуэн Джонс усовершенствовал свои теории декоративного дизайна в различных статьях и лекциях. Он помог организовать учебные коллекции Школы дизайна, но знал, что многие дизайнеры имеют ограниченный доступ к этим объектам и к его обучению. Поэтому он решил опубликовать свое новаторское руководство по дизайну «Грамматика орнамента» в качестве краткого изложения своих теорий дизайна. Он будет представлять собой собрание «лучших» образцов орнамента и декора других культур и других периодов.

Музей Виктории и Альберта хранит в своей коллекции множество оригинальных рисунков Оуэна Джонса для Грамматика орнамента — изучите выборку в нашем слайд-шоу ниже.

Музей Южного Кенсингтона

Коллекции Школы дизайна, известные под общим названием «Музей декоративного искусства», в конечном итоге были перенесены на участок в Южном Кенсингтоне, который был куплен за счет прибыли от Большой выставки. Позже этот музей стал V&A. Генри Коул, еще одна ключевая фигура в реформировании дизайна, помог Джонсу опубликовать Грамматика орнамента, и в качестве первого директора Музея Южного Кенсингтона попросили Джонса спроектировать серию галерей, известных как «Восточные дворы». Восточные дворы состояли из двух галерей: Индийского двора и Китайско-японского двора, в которых демонстрировалась растущая коллекция музея предметов из этих стран.

Восточные дворы были закрыты для публики к концу 19 века, и, к сожалению, позже рисунки Джонса были закрашены. Помещения много лет использовались как кухни ресторана V&A. Однако работы по консервации, проведенные в 1980-е годы показали, что большая часть оригинального декора все еще остается нетронутой под побелкой.

Эскиз оформления аркады для V&A Oriental Courts: схема «Альгамбра», Оуэн Джонс, 1863 г., Англия. Музей №. Е.3608-1931. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Архитектурные проекты

Таково было воздействие и влияние Грамматика Орнамента , что легко забыть, что Джонс был прежде всего архитектором. К сожалению, многие из его построенных проектов давно снесены. В их число входят Сент-Джеймс-холл — основная концертная площадка Лондона на протяжении почти 50 лет, а также два торговых центра: базар Хрустального дворца и выставочный зал Osler’s, производителя стеклянной посуды.